Cine irreal de la URSS: modelos naturalistas y paisajes sin computadoras

2024 Autor: Seth Attwood | [email protected]. Última modificación: 2024-01-16 18:43

Probablemente, muchos se sorprenderán de que en algunas películas soviéticas los efectos especiales no fueran peores que en muchas películas extranjeras de esa época. Tomemos, por ejemplo, las películas de ciencia ficción "El camino hacia las estrellas" y "El planeta de las tormentas" dirigidas por Pavel Klushantsev: cómo los objetos dinámicos y creíblemente fluidos se mueven en ellos en el espacio. Stanley Kubrick se dio cuenta de algo similar en la legendaria película "A Space Odyssey of 2001" sólo diez años después, en 1968.

Para mostrar las naves espaciales de una manera naturalista, los diseñadores y decoradores construyeron modelos especiales, trabajando cada detalle. Luego, el operador movió la cámara, de modo que se creó la impresión de que la nave flotaba en el espacio. A veces, los modelos se colgaban en una línea delgada y se giraban a mano contra el fondo del cielo estrellado. Suena ridículo, pero de hecho resultó ser una imagen muy realista.

Para recrear objetos en el fondo del paisaje, intervino un artista profesional. Por ejemplo, para un castillo que se encuentra en lo alto de un acantilado, tomaron una montaña real, colocaron vidrio frente a ella y pintaron un edificio medieval, combinándolo con el contorno del paisaje. Luego el operador acercó la cámara para que "mirara" el cristal a través de los ojos del artista, y desde allí ya estaba filmando la toma.

¿Y si necesitas disparar creíblemente a toda una flotilla de veleros como lo vio Peter I? Para ello, se construyeron y lanzaron al agua muchos modelos de barcos pequeños pero muy realistas. El operador, utilizando el principio de perspectiva, hizo un verdadero milagro y, a la salida, el espectador soviético nunca habría adivinado que los barcos de vela eran en realidad falsos. Las películas con aviones y equipo militar se rodaron según el mismo principio.

El período de la década de 1970 estuvo marcado por el estreno de obras maestras del cine soviético como Solaris de Tarkovsky con su planeta oceánico extremadamente realista y Moscú-Cassiopeia de Richard Viktorov con sus inigualables escenas de astronautas en un estado de gravedad cero. El secreto de la plausibilidad de los gráficos en estas películas es ridículamente simple: ubicaciones perfectamente combinadas, escenarios cuidadosamente creados, trabajo de cámara magistral y, por supuesto, el talento del director.

Por ejemplo, para transmitir el efecto de la ingravidez en la película "Moscú - Cassiopeia", el Yalta Film Studio construyó desde cero una decoración de 360 grados de una nave espacial. Según Novate.ru, la cámara se fijó rígidamente a la plataforma y se giró junto con el pasillo. Los astronautas fueron suspendidos de una cuerda delgada para que se creara la impresión de que estaban flotando en el espacio.

Pero desde la década de 1980, los efectos especiales soviéticos en la búsqueda de Star Wars de Lucas se han ralentizado notablemente. Basta con ver la película "Orion's Loop" para asegurarse de que la escuela de rodaje combinado de la URSS dio un gran paso atrás, e incluso la imagen de culto de Richard Viktorov "A través de las dificultades hasta las estrellas" no pudo salvar el día.

Más cerca del colapso de la Unión Soviética, los primeros efectos especiales digitales comenzaron a usarse en nuestra cinematografía, pero para ese momento la tecnología occidental en términos técnicos había avanzado mucho. "Terminator", "Regreso al futuro": estas y otras películas legendarias no dejaron ninguna posibilidad a los directores soviéticos. Por otro lado, en la URSS, no intentaron centrarse en el entretenimiento: nuestras películas se enamoraron de cientos de espectadores por algo completamente diferente.

LA TRANSFORMACIÓN AMBIENTAL O EL ASPECTO DE LA METRÓPOLIS

"Viaje a la luna" (1902) de J. Meliesa no es solo una de las primeras películas de ciencia ficción, sino también una de las primeras películas con efectos especiales.

Los primeros experimentos cinematográficos sobre la transformación de la realidad aún no estaban libres de la carga de sus antepasados: el teatro y el circo. No es casualidad que el ex artista de circo Georges Melies se convirtiera en el fundador de la ciencia ficción. Usó complejos mecanismos y juegos de mudanzas (montados en su estudio cerca de París en un enorme edificio del antiguo invernadero). Paisajes lunares y constelaciones revividas, las profundidades del mar y los icebergs polares: estos enormes fondos eran teatrales convencionales, lo que, sin embargo, no destruyó el estilo deliberadamente bohemio de la "extravagancia cinematográfica".

La misma teatralidad deliberada era característica del Marte "soviético" ("Aelita", 1924), al estilo de las producciones de Meyerhold y Tairov. Pero aquí, los artistas de vanguardia Isaac Rabinovich y Alexandra Exter ya estaban aprovechando al máximo las decoraciones del modelo. Y posteriormente, comenzaron los mismos paisajes lunares ("Mujer en la Luna" en alemán, "Vuelo espacial" soviético) o ciudades grandiosas del futuro ("Metrópolis" de Fritz Lang, "La imagen de la venida" de H. Wells). para ser construido a menor escala.

Y cuando fue necesario combinar actores y modelos en un solo cuadro, comenzaron a utilizar métodos puramente cinematográficos: “alineación de perspectiva”, “proyección RIR”, “máscara errante”.

La famosa "Metrópolis" ("Metrópolis", 1927), que dio fama mundial a Fritz Lang.

Alineación de perspectiva: disparar dos o más objetos a una distancia suficiente del punto donde los objetos parecen estar uno al lado del otro; esto distorsiona la percepción visual del tamaño de los objetos. Gandalf en Bilbo's ("La comunidad del anillo"): un viejo truco perfectamente ejecutado con una combinación de perspectiva. Proyección RIR: disparar objetos contra el fondo de la pantalla, en la que se muestran planos panorámicos. El método de la “habitación azul” (o “pared verde”) utilizado en todas las cintas modernas es el resultado de la evolución de la proyección RIR en la era digital. Máscara errante: combina los objetos en primer plano "recortados" del marco con un fondo que se capturó por separado. Este método se usaba a menudo en películas más antiguas para representar persecuciones de automóviles (con una vista de los personajes en el automóvil). En la famosa carrera de deslizadores imperiales a través de los bosques de Endor (Star Wars: El retorno del Jedi), son visibles los rastros de una máscara errante.

Boris Karlov como el monstruo de Frankenstein (“Frankenstein”, 1931).

Los maestros de la escenografía fantástica a veces tenían más talento que los demás; después de todo, se tomaban la ciencia ficción en serio, a diferencia, por ejemplo, de los administradores que no favorecían este género.

El boom espacial de la posguerra ha dado lugar a todo un mundo de sistema solar cinematográfico. El estadounidense George Pal y el ruso Pavel Klushantsev, con precisión documental (y similitud entre sí), crearon caravanas de cohetes plateados que transportan astronautas con trajes espaciales totalmente metálicos a estaciones orbitales toroidales. Incluso llegó a la curiosidad que los cohetes inventados por el artista tenían prohibido disparar, para no divulgar secretos militares (!) (Por cierto, el mismo problema surgió antes - con la censura de Goebbels de "Mujer en la Luna").

En el cuadro "Mujer en la luna" ("Frau im Mond", 1928) los censores vieron el proyecto secreto "V-2".

Pero, ¿quién recuerda hoy las películas "Dirección: la luna", "El camino hacia las estrellas", "La conquista del espacio", "Hacia un sueño" (trate de adivinar cuáles de estos nombres triviales se inventaron en la URSS y cuáles … ¡en los EE. UU.!) … Los modelos estadounidenses se guardan en el museo, y los nuestros, después de la muerte del artista Julius Shvets, fueron descartados y destruidos.

Pero fue entonces cuando se desarrollaron muchos trucos ingeniosos, que luego se utilizaron en los clásicos: "A Space Odyssey" de Stanley Kubrick y "Youths in the Universe" de Richard Viktorov. Por ejemplo, la decoración giratoria de la estación, imitando caminar con botas magnéticas en las paredes y el techo.

Los realizadores tardaron un cuarto de siglo en empezar a apreciar el material de desecho y crear todo tipo de "Disneylands" en las que el plató de cine volvía a su función original (cabina teatral).

Los fondos voluminosos han sobrevivido a su tiempo y han aparecido todo tipo de trucos ópticos, lo que permite que el piso sea voluminoso y el pequeño, gigantesco. De lo contrario, no habría espectáculos como "Star Wars". El coautor de George Lucas fue el maestro de los efectos especiales John Dykstra, quien creó un mundo tan convincente de espacio habitable que, posteriormente, ninguna de las epopeyas espaciales pudo prescindir de su participación: "Battlestar Galaktika", "Star Trek", "Vitalidad", "Invasores de Marte" …

Y el uso de infografías en general confundió los criterios de ilusión y realidad objetiva …

TRANSFORMACIÓN DE OBJETOS O INCREÍBLE CONG

"King Kong" ("King Kong", 1933) - una de las primeras películas sobre monstruos gigantes.

De todos modos, Melies creó el primer monstruo de la película: un gigante ("Para conquistar el polo") en tamaño completo, que agarraba a las personas con manos mecánicas y tragaba con una boca mecánica. Esta voluminosa atracción todavía tenía un origen puramente ferial. Sin embargo, fue Melies quien descubrió trucos puramente cinematográficos. Por ejemplo, un cuadro congelado que permitió que los selenitas que explotaban por el impacto en el Viaje a la Luna desaparecieran.

Fue un paso de aquí a la fotografía a intervalos y un nuevo género: la animación. Este paso fue dado por nuestro compatriota Vladislav Starevich en la película "The Beautiful Lucanida", quien animó (es decir, invirtió "anima" - el alma) de muñecos de insectos, con tanta habilidad que el público estaba seguro de que eran criaturas vivientes entrenadas. Aparentemente, esta fue la primera vez en la historia del cine en que la ficción se volvió indistinguible de la verdad y nació la “realidad fantástica”.

Es cierto que la animación pronto se convirtió en un reino separado. El gran cine empezó a utilizar las posibilidades de combinar actores en vivo y marionetas. Y apareció, por ejemplo, "New Gulliver" de Alexander Ptushko con enanos de plastilina. Y en los Estados Unidos, Willis O'Brien medio siglo antes de que Spielberg creara su “Parque Jurásico”, primero en la adaptación cinematográfica muda de El mundo perdido y luego en el inmortal King Kong (1933). Su escuela fue continuada por Ray Harrihausen en la serie sobre Simbad y "A Million Years BC".

Aunque el monumentalismo de Melies no se convirtió en una cosa del pasado, continuaron construyendo criaturas titánicas (cuando las finanzas lo permitían). El mismo Ptushko rechazó la animación y prefirió la gran Serpiente Gorynych, en cada cabeza de la cual había un soldado con un lanzallamas (“Ilya Muromets”). Y el profesor Boris Dubrovsky-Eshke para la película "La muerte de una sensación" (1932) construyó diez robots de dos metros con motores eléctricos controlados por un hombre desde el interior (!). Esto no fue ni antes ni después, ni con nosotros, ni con ellos.

En el genio "A Space Odyssey 2001" ("2001: A Space Odyssey", 1968) Stanley Kubrick utilizó por primera vez las soluciones que se han convertido en libros de texto de ciencia ficción. Y recibió un merecido "Oscar" por esto.

La galaxia de las "criaturas monstruosas" modernas ya no son artesanos solitarios, sino jefes de laboratorios especiales para crear monstruos. El más destacado de ellos es el italiano Carlo Rambaldi, que partió de los mitológicos “peplums” (“Perseo y Medusa”) y “espaguetis-horrores” (“Rojo oscuro”), colaboró con Andy Warhol en las películas sobre Frankenstein y Drácula., y luego se convirtió en padre (literalmente "Papa Carlo") para los personajes de Spielberg - el Alien ("ET") y sus "parientes" más cercanos ("Encuentros Cercanos del Tercer Tipo").

Pero los dinosaurios de Spielberg fueron creados por otro "hechicero del siglo XX": Phil Tippett. Para él, estas eran semillas, después de esa enorme tribu de extraterrestres, que inventó para la trilogía de "Star Wars", dos dragones ("Dragon Winner" y "Dragon Heart"), Howard the Duckling y muchos otros.

Hoy en día, los actores de la computadora ya están comenzando a reproducir lo vivo (por ejemplo, en nuevos episodios de "Star Wars") y, a menudo, se convierten en los personajes principales de películas ("El Increíble Hulk"), de objetos a sujetos.

TRANSFORMACIÓN DEL SUJETO O DOCTOR FREDDY FRANKENSTEIN

También se crearon nuevos personajes fantásticos principalmente con medios antiguos, por ejemplo, disfraces. Los selenitas con cuernos en Voyage to the Moon fueron interpretados por acróbatas de Foley Bergères, saltando hilarantemente y haciendo muecas. Desde entonces, el "modisto" ha sido todo lo sofisticado que pudo, solo recuerde a la actriz con el traje de plumas del ave fénix ("Sadko").

Cuando abrieron un primer plano, recordaron sobre el maquillaje. Al principio, los actores tuvieron que maquillarse. Por cierto, esto es por lo que Lon Chani se hizo famoso. Durante el período del Hollywood silencioso, superó a todos los fanáticos de la pantalla: vampiros, hombres lobo, Quasimodo, el fantasma de la ópera, por lo que recibió el apodo de "El hombre de las mil caras". A Chaplin se le atribuye la autoría del famoso chiste: "Cuidado, no aplastes a la cucaracha, tal vez sea Chani con un nuevo maquillaje".

Pero luego aparecieron maquilladores profesionales, a veces artistas genuinos. Por ejemplo, Jack Pierce para realizar antiguos ritos funerarios. Pero su imagen se volvió canónica y se repitió de película en película. Más tarde, Pierce creó el hombre lobo y la momia no menos clásicos.

Aunque los datos naturales del actor también jugaron un papel importante. Sin querer ofender a los maestros del cine, señalaré que Karloff parecía un hombre muerto incluso sin maquillaje, y nuestro George Millyar se parecía a Babu Yaga. Técnicamente era más difícil transformar visualmente a una persona en un monstruo de una sola vez. El método más simple era la doble exposición (disparos repetidos en una placa / película fotográfica), pero no daba una ilusión completa, y se inventaron nuevos métodos, a menudo manteniéndolos en secreto. Entonces, hasta el día de hoy, no se sabe qué tan profundas aparecen las arrugas en el rostro del Dr. Jekyll antes de convertirlo en Mr. Hyde en la película de 1932. Hablan de filtros de color, pero el secreto está perdido …

Lon Chani, maestro de la reencarnación.

Hoy en día, con la producción en línea de tentáculos de plástico y colmillos de plástico, es difícil guardar secretos, e incluso no es tan relevante. Después de todo, un maquillador moderno no quiere permanecer en las sombras y, a veces, eclipsa al actor, convirtiéndose él mismo en una estrella. Por ejemplo, Rob Bottin, quien comenzó disfrazando a un actor de mono (King Kong, 1976), de hombre lobo (Howl), de gnomos y duendes (Legend), con los efectos de distorsión y descomposición de la carne viva (Beast, "Brujas de Eastwick", "Espacio interior"). Pero su mejor momento llegó cuando se le ocurrió un simple, como todo brillante, “caballero del siglo XXI” - “Robot-policía” vestido con armadura. Posteriormente, Bottin se volvió indispensable como un maestro del maquillaje "invisible", es decir, de tal modo que el espectador no lo notó, en el thriller "Seven" y la película de acción "Misión Imposible".

TRANSFORMACIÓN DE LA IMAGEN O PASO DEL CREADOR

El advenimiento de la tecnología informática en el cine es comparable a la creación de una época a la invención del sonido. Hoy, por supuesto, puedes disparar a la antigua. Pero al mismo tiempo, uno debe ser consciente de la periferia profunda donde se ubicará dicha película.

La computadora ayudó a eludir toda la etapa de la realización cinematográfica: la materialización de milagros de medios improvisados frente a la cámara (para inmortalizarlos en la película y arrojarlos inmediatamente a un vertedero). Ahora cualquiera, las ideas más increíbles pueden nacer directamente en la pantalla.

El cine finalmente ha dejado de ser el único Screen Art, tras haber ido a la par de la televisión y los ordenadores. Y la imagen fantástica finalmente dejó de ser solo un reflejo de la realidad falsa y se convirtió en sí misma: una invención, completamente independiente de la fragilidad de la vida cinematográfica.

El hombre se ha acercado aún más al rango de Creador. Un paso más y … Pero esa es una historia completamente diferente.

En "Hulk" ("Hulk", 2003), la apariencia del personaje principal se crea completamente en la computadora.

Howard the Duck (1986) es una de las películas más extrañas de Lucas Films.