El mito de los artistas del Renacimiento

2024 Autor: Seth Attwood | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 16:02

Según la versión oficial, a finales de los siglos XIV-XV, se produjo un cambio brusco en la pintura: el Renacimiento. Alrededor de la década de 1420, de repente todo el mundo se volvió mucho mejor dibujando. ¿Por qué las imágenes de repente se volvieron tan realistas y detalladas, y en las pinturas había luz y volumen?

Nadie pensó en esto durante mucho tiempo. Hasta que David Hockney tomó una lupa.

Una vez estaba mirando dibujos de Jean Auguste Dominique Ingres, el líder de la escuela académica francesa del siglo XIX. Hockney se interesó en ver sus pequeños dibujos a mayor escala y los amplió en una fotocopiadora. Así es como se topó con un lado secreto de la historia de la pintura desde el Renacimiento.

Habiendo hecho fotocopias de los pequeños dibujos de Ingres (unos 30 centímetros), Hockney se sorprendió de lo realistas que eran. Y también pensó que las líneas de Ingres le recordaban algo. Resultó que le recuerdan el trabajo de Warhol. Y Warhol hizo esto: proyectó una foto en un lienzo y la delineó.

Casos interesantes, dice Hockney. Aparentemente Ingres usó la Camera Lucida, un dispositivo que es una estructura con un prisma que se adjunta, por ejemplo, en un soporte a una tableta. Por lo tanto, el artista, mirando su dibujo con un ojo, ve la imagen real y, con el otro, el dibujo en sí y su mano. Resulta una ilusión óptica que le permite transferir con precisión proporciones reales al papel. Y esta es precisamente la "garantía" del realismo de la imagen.

Entonces Hockney se interesó seriamente en este tipo de dibujos y pinturas "ópticos". En su estudio, él y su equipo han colgado en las paredes cientos de reproducciones de pinturas creadas a lo largo de los siglos. Obras que parecían "reales" y las que no. Organizando según el momento de la creación y por regiones (norte en la parte superior, sur en la parte inferior), Hockney y su equipo vieron un cambio brusco en la pintura a principios del siglo XIV y XV. En general, todo el que sabe al menos un poco sobre la historia del arte sabe: el Renacimiento.

¿Quizás usaron la misma cámara lúcida? Fue patentado en 1807 por William Hyde Wollaston. Aunque, de hecho, ese dispositivo fue descrito por Johannes Kepler allá por 1611 en su obra Dioptrice. Entonces, tal vez usaron otro dispositivo óptico, ¿una cámara oscura? Al fin y al cabo, se conoce desde la época de Aristóteles y es una habitación oscura en la que entra la luz por un pequeño orificio y así en una habitación oscura se obtiene una proyección de lo que está frente al orificio, pero al revés. Todo estaría bien, pero la imagen que se obtiene al ser proyectada por una cámara estenopeica sin lente, por decirlo suavemente, no es de alta calidad, no es clara, requiere mucha luz brillante, sin mencionar el tamaño. de la proyección. Pero los lentes de calidad eran casi imposibles de fabricar hasta el siglo XVI, ya que en ese momento no había forma de obtener un vidrio de tal calidad. Cosas que hacer, pensó Hockney, en ese momento ya luchaba con el problema del físico Charles Falco.

Sin embargo, hay un cuadro de Jan Van Eyck, un pintor residente en Brujas y pintor flamenco del Renacimiento temprano, en el que se esconde una pista. La pintura se llama "Retrato de la pareja Arnolfini".

El cuadro simplemente brilla con una gran cantidad de detalles, lo cual es bastante interesante, porque fue pintado solo en 1434. Y el espejo sirve como una pista de cómo el autor logró dar un paso tan grande en el realismo de la imagen. Y también el candelabro es increíblemente complejo y realista.

Hockney estaba lleno de curiosidad. Se apoderó de una copia de ese candelabro y trató de dibujarlo. El artista se enfrentó al hecho de que una cosa tan compleja es difícil de dibujar en perspectiva. Otro punto importante fue la materialidad de la imagen de este objeto metálico. Al representar un objeto de acero, es muy importante colocar los aspectos más destacados de la manera más realista posible, ya que esto da una gran cantidad de realismo. Pero el problema con estos aspectos destacados es que se mueven cuando la mirada del espectador o del artista se mueve, lo que significa que no es fácil capturarlos en absoluto. Y la imagen realista del metal y el resplandor también es una característica distintiva de las pinturas del Renacimiento, antes de eso, los artistas ni siquiera intentaron hacer esto.

Al recrear un modelo tridimensional preciso del candelabro, el equipo de Hockney se aseguró de que el candelabro en El retrato de la pareja Arnolfini se dibujara con precisión en perspectiva con un solo punto de fuga. Pero el problema fue que los instrumentos ópticos tan precisos como una cámara oscura con una lente no existieron hasta aproximadamente un siglo después de que se creó la pintura.

El fragmento ampliado muestra que el espejo del cuadro "Retrato de la pareja Arnolfini" es convexo. Entonces había espejos al contrario: cóncavos. Además, en esos días, tales espejos se hacían de esta manera: se tomó una esfera de vidrio y su parte inferior se cubrió con plata, luego se cortó todo, excepto la parte inferior. La parte trasera del espejo no estaba oscurecida. Esto significa que el espejo cóncavo de Jan Van Eyck podría ser el mismo espejo que se muestra en la imagen, solo desde la parte posterior. Y cualquier físico sabe que un espejo, cuando se refleja, proyecta una imagen del reflejado. Fue aquí donde su amigo el físico Charles Falco ayudó a David Hockney con los cálculos y la investigación.

La parte clara y enfocada de la proyección mide aproximadamente 30 centímetros cuadrados, que es exactamente el tamaño de las cabezas en muchos retratos renacentistas.

Este es el tamaño, por ejemplo, del retrato del "Doge Leonardo Loredana" de Giovanni Bellini (1501), un retrato de un hombre de Robert Campen (1430), el propio retrato de Jan Van Eyck "un hombre con turbante rojo" y muchos más. primeros retratos holandeses.

La pintura era un trabajo muy bien remunerado y, naturalmente, todos los secretos comerciales se guardaban en la más estricta confidencialidad. Fue beneficioso para el artista que todas las personas no iniciadas creyeran que los secretos estaban en manos del maestro y que no podían ser robados. El negocio estaba cerrado a los forasteros, los artistas estaban en el gremio y los más variados artesanos estaban en él, desde los que fabricaban sillas de montar hasta los que fabricaban espejos. Y en el Gremio de San Lucas, fundado en Amberes y mencionado por primera vez en 1382 (luego se abrieron gremios similares en muchas ciudades del norte, y uno de los más grandes fue el gremio en Brujas, la ciudad donde vivía Van Eyck) también tuvo maestros, lo que hizo espejos.

Así que Hockney recreó cómo se puede dibujar un candelabro complejo a partir de una pintura de Van Eyck. No es de extrañar que el tamaño del candelabro proyectado por Hockney coincida exactamente con el tamaño del candelabro del cuadro "Retrato de la pareja Arnolfini". Y, por supuesto, deslumbramiento en el metal: en la proyección, se quedan quietos y no cambian cuando el artista cambia de posición.

Pero el problema aún no está del todo resuelto, pues ante la aparición de una óptica de alta calidad, que es necesaria para usar una cámara estenopeica, quedaban 100 años, y el tamaño de la proyección obtenida con la ayuda de un espejo es muy pequeño.. ¿Cómo pintar cuadros de más de 30 centímetros cuadrados? Fueron creados como un collage: desde una variedad de puntos de vista, resultó una especie de visión esférica con muchos puntos de fuga. Hockney se dio cuenta de esto, porque él mismo estaba involucrado en tales imágenes: hizo muchos collages de fotos en los que se logra exactamente el mismo efecto.

Casi un siglo después, en el siglo XVI, finalmente fue posible obtener y procesar bien el vidrio: aparecieron lentes grandes. Y finalmente podrían insertarse en la cámara oscura, cuyo principio se conoce desde la antigüedad. El objetivo de la cámara oscura supuso una revolución increíble en las artes visuales, ya que ahora la proyección podía ser de cualquier tamaño. Y una cosa más, ahora la imagen no era "gran angular", sino aproximadamente el aspecto normal, es decir, aproximadamente el mismo que es hoy cuando se fotografía con una lente con una distancia focal de 35-50 mm.

Sin embargo, el problema de usar una cámara estenopeica con lente es que la proyección hacia adelante de la lente es reflejada. Esto dio lugar a un gran número de zurdos en la pintura en las primeras etapas del uso de la óptica. Como en este cuadro del siglo XVII del museo Frans Hals, donde un par de zurdos bailan, un anciano zurdo los amenaza con un dedo y un mono zurdo se asoma debajo del vestido de la mujer.

El problema se soluciona instalando un espejo al que se dirige la lente, obteniendo así la proyección correcta. Pero aparentemente, un espejo bueno, plano y grande costaba mucho dinero, por lo que no todos lo tenían.

El enfoque fue otro problema. El hecho es que algunas partes de la imagen en una posición del lienzo bajo los rayos de proyección estaban desenfocadas, no claras. En el trabajo de Jan Vermeer, donde el uso de la óptica es claramente visible, su trabajo generalmente parece fotografías, también se pueden notar lugares desenfocados. Incluso puede ver el dibujo que da la lente: el notorio "bokeh". Como por ejemplo aquí, en el cuadro "La lechera" (1658), la canasta, el pan que contiene y el jarrón azul están desenfocados. Pero el ojo humano no puede ver "desenfocado".

Y a la luz de todo esto, no es de extrañar que un buen amigo de Jan Vermeer fuera Anthony Phillips van Leeuwenhoek, científico y microbiólogo, además de un maestro único que creó sus propios microscopios y lentes. El científico se convirtió en el mánager póstumo del artista. Y esto nos permite suponer que Vermeer representó precisamente a su amigo en dos lienzos: "Geógrafo" y "Astrónomo".

Para ver cualquier parte enfocada, debe cambiar la posición del lienzo debajo de los rayos de proyección. Pero en este caso aparecieron errores en las proporciones. Como se puede ver aquí: el enorme hombro de "Anthea" Parmigianino (hacia 1537), la pequeña cabeza de "Lady Genovese" Anthony Van Dyck (1626), los enormes pies del campesino en el cuadro de Georges de La Tour.

Por supuesto, todos los artistas usaron lentes de manera diferente. Alguien para los bocetos, alguien compuesto por diferentes partes; después de todo, ahora era posible hacer un retrato y terminar el resto con otro modelo o con un maniquí en general.

Velázquez también casi no tiene dibujos. Sin embargo, su obra maestra permaneció: un retrato del Papa Inocencio X (1650). En la túnica de papá, obviamente de seda, hay un hermoso juego de luces. Blikov. Y para escribir todo esto desde un punto de vista, había que esforzarse mucho. Pero si haces una proyección, entonces toda esta belleza no se escapará, el resplandor ya no se mueve, puedes escribir exactamente con esos trazos amplios y rápidos como los de Velázquez.

Posteriormente, muchos artistas pudieron permitirse una cámara oscura, y esto ha dejado de ser un gran secreto. Canaletto usó activamente la cámara para crear sus vistas de Venecia y no la ocultó. Estas imágenes, por su precisión, permiten hablar de Canaletto como documentalista. Gracias a Canaletto, puedes ver no solo una hermosa imagen, sino también la historia en sí. Puedes ver lo que fue el primer puente de Westminster en Londres en 1746.

El artista británico Sir Joshua Reynolds tenía una cámara oscura y aparentemente no se lo contó a nadie, porque su cámara se pliega y parece un libro. Hoy se encuentra en el Museo de Ciencias de Londres.

Finalmente, a principios del siglo XIX, William Henry Fox Talbot, usando una cámara lucida, aquella en la que hay que mirar con un ojo y dibujar con las manos, maldijo y decidió que tal inconveniente tenía que ser eliminado. de una vez por todas, y se convirtió en uno de los inventores de la fotografía química, y más tarde en un popularizador que la hizo masiva.

Con la invención de la fotografía, el monopolio de la pintura sobre el realismo de la imagen desapareció, ahora la foto se ha convertido en un monopolio. Y aquí, finalmente, la pintura se liberó de la lente, continuando el camino en el que se desvió en el 1400, y Van Gogh se convirtió en el precursor de todo el arte del siglo XX.

La invención de la fotografía es lo mejor que le ha pasado a la pintura en toda su historia. Ya no era necesario crear imágenes exclusivamente reales, el artista se volvió libre. Por supuesto, el público tardó un siglo en ponerse al día con los artistas en su comprensión de la música visual y dejar de considerar a personas como Van Gogh como "locas". Al mismo tiempo, los artistas comenzaron a utilizar activamente la fotografía como "material de referencia". Entonces aparecieron personas como Wassily Kandinsky, la vanguardia rusa, Mark Rothko, Jackson Pollock. Siguiendo la pintura, se liberaron la arquitectura, la escultura y la música. Es cierto que la escuela académica de pintura rusa está estancada en el tiempo, y hoy en día todavía es una vergüenza en las academias y escuelas usar la fotografía para ayudar, y la hazaña más alta se considera una habilidad puramente técnica para dibujar de la manera más realista posible con las manos desnudas.

Gracias a un artículo del periodista Lawrence Weschler, que estuvo presente en la investigación de David Hockney y Falco, se revela otro dato interesante: el retrato de la pareja Arnolfini de Van Eyck es un retrato de un comerciante italiano en Brujas. El Sr. Arnolfini es florentino y, además, es un representante del banco Medici (prácticamente los propietarios de Florencia durante el Renacimiento, son considerados mecenas del arte de esa época en Italia). ¿Y esto dice qué? El hecho de que pudiera llevarse fácilmente el secreto del gremio de San Lucas, el espejo, a Florencia, donde, según la historia tradicional, comenzó el Renacimiento, y los artistas de Brujas (y, en consecuencia, otros maestros) son considerados "primitivistas".

Existe mucha controversia en torno a la teoría de Hockney-Falco. Pero ciertamente hay una pizca de verdad en ello. En cuanto a los historiadores del arte, los críticos y los historiadores, incluso es difícil imaginar cuántas obras científicas sobre historia y arte resultaron en realidad ser un completo disparate, esto también cambia toda la historia del arte, todas sus teorías y textos.

El hecho de utilizar la óptica no disminuye de ninguna manera el talento de los artistas; después de todo, la técnica es un medio para transmitir lo que el artista quiere. Y viceversa, el hecho de que haya una realidad real en estas pinturas solo les agrega peso; después de todo, así es como se veía la gente de esa época, las cosas, los locales, las ciudades. Estos son documentos reales.

La teoría de Hockney-Falco es detallada por su autor David Hockney en el documental de la BBC David Hockney "Secret Knowledge", que se puede ver en YouTube (parte 1 y parte 2 en Inglés. lang.):